Visão de um meteorologista sobre algumas pinturas

Na capa da manhã de 16 de julho de 2021 do jornal The Washington Post, foi publicada uma matéria em que o meteorologista Matthew Cappucci foi convidado a olhar para a arte com uma visão científica e artística. Junto estava o crítico de arquitetura e arte do jornal, Philip Kennicott. Foram selecionadas pinturas e fotografias em que o tempo atmosférico parece ser mais do que apenas um pano de fundo ou um elemento decorativo (tradução livre dos comentários de cada um nesse post sobre cada obra).

A experiência da arte é, em grande parte, uma questão de perceber, descobrir e conectar detalhes. Ver arte com outras pessoas inevitavelmente expande seu poder de observação, já que elas trazem suas próprias experiências de vida e visões de mundo. O mesmo pode ser dito dos artistas quando incluem o fenômeno científico expresso com mais nuances emocionais.

Por exemplo: o quadro de Van Gogh “Noite Estrelada Sobre o Ródano” (1888) combina o jogo de luzes das lâmpadas de gás refletidas na água e um céu cheio de estrelas aparentemente em chamas, para sugerir uma sensação transfigurada de solidão noturna e êxtase. No entanto, a vista da cidade ao fundo é clara e detalhada demais para que haja umidade suficiente para o espalhamento de luz que cerca as estrelas. Essa aparente contradição ou ambiguidade pode levar a percepções mais profundas sobre a intenção do artista.

A Scene on the Ice - Hendrick Avercamp (1625). Fonte: National Gallery of Art
A Scene on the Ice – Hendrick Avercamp (1625). Fonte: National Gallery of Art

Kennicott – O artista holandês Hendrick Avercamp (1585-1634), que pintou “Uma cena no gelo” por volta de 1625, foi um dos primeiros artistas ocidentais a se especializar em cenas de inverno. Suas pinturas frequentemente capturam um cinza particular, na qual o sol luta (e não consegue) passar pelas nuvens e o horizonte se perde em uma confusão de neblina. Ele parece registrar o inverno como um fenômeno social, algo que atinge não só o trabalho, mas também o vestido, a moda, os jogos e até o romance. Mas a data é marcante: em algum momento da primeira metade do século 17, durante um período conhecido como a Pequena Idade do Gelo, quando os invernos eram rigorosos e o clima tinha impactos profundos na agricultura europeia. Isso, por sua vez, influenciou a cultura e a política, especialmente com alta letalidade, quando a Europa foi dilacerada por guerras, superstições e conflitos intergrupais. Acho a alegria nesta pintura inquietante, uma lembrança dos invernos perdidos e um aviso. O tempo que nos faz sentir bem, que nos traz alegria pode ser um sinal de profunda perturbação do clima.

Cappucci – Eu vejo o primeiro sopro da primavera. Obviamente, ainda está gelado, as pessoas ainda estão patinando no gelo, que é espesso o suficiente para suportar um cavalo. Mas também parece um pouco nebuloso, com todos os tons de cinza, e alguns dos detalhes distantes um pouco perturbados no fundo. Isso me faz pensar que há um pouco mais de umidade no ar, o que você realmente não teria naquela época do inverno. Então, isso provavelmente está mostrando final de fevereiro, início de março – aquele primeiro degelo onde o gelo ainda está lá, mas o calor do sul está tentando bombear um pouco mais de umidade. O gelo frio toca essa umidade e faz com que ela se condense, de modo que você obtém um pouco de névoa perto da superfície. As nuvens não são excessivamente altas – não são nuvens de tempestade – é apenas aquela camada rasa que obtemos com o primeiro impulso quente da primavera no final do inverno. Eu amo isso – é uma espécie de provocação, onde o inverno está pendurado, mas ainda não acabou. A Pequena Idade do Gelo foi especialmente ruim na Europa, mas estou me perguntando se o artista estava quase tentando fazer o oposto. As pessoas parecem tão alegres, há aquele toque de calor. Talvez ele esteja tentando mostrar um pouco de esperança?

Mitsui Shop at Surugacho in Edo - Katsushika Hokusai (1830-1832). Fonte: The Metropolitan Museum of Art
Mitsui Shop at Surugacho in Edo – Katsushika Hokusai (1830-1832). Fonte: The Metropolitan Museum of Art

Kennicott – Esta imagem do Monte Fuji foi feita por volta de 1830 a 1832. O pico distinto é visto à distância, além de uma pequena loja que foi a precursora de um dos maiores conglomerados corporativos contemporâneos do Japão. Foi uma das séries amadas de Katsushika Hokusai (1760-1849), “Trinta e seis vistas do Monte Fuji”, que usa a icônica montanha como ponto focal e um contraste para descrever detalhes da vida diária, costumes sociais e nuances sazonais do clima – e do mundo natural. Hokusai tornou essas imagens extremamente populares sobre a época em que o preço de um pigmento azul ressonante e particularmente rico estava caindo e se tornando mais amplamente disponível para os artistas japoneses. Outras imagens da série mostram cenas mais tempestuosas ou turbulentas, incluindo a famosa “The Great Wave Off Kanagawa https://pt.wikipedia.org/wiki/A_Grande_Onda_de_Kanagawa ”, em que Fuji é diminuído pela crista ondulada de uma enorme onda do oceano. Esse azul parece essencial para a sensação de bom tempo nesta imagem, junto com o vento auspicioso que mantém as pipas no ar. Às vezes, um novo material, ou técnica, não só ajuda o artista a representar o que vê, mas também ajuda o processo de ver. Quando você se apaixona por um tom particular de azul, de repente você vê um bom tempo.

Cappucci – Se for de Edo ou Tóquio, isso significa que a direita é o norte e os ventos vêm da direção fria. Isso faz sentido. Isso desencadeia mais precipitação no lado noroeste do Monte Fuji. No sul, à esquerda, você vê menos neve, o que também faz sentido. Dado que as pipas são empurradas da direita para a esquerda, parece que uma frente fria acabou de passar. E aquele branco no céu pode não ser neblina, mas sim nuvens de tempestade distantes, empurrando através da costa. Isso colocaria a frente fria um pouco ao sul do Japão, no Mar da China Oriental, talvez em direção ao sul do Japão e em direção a Taiwan. Pode não ser o caso, mas há algo chamado de Frente Meiyu, uma frente semipermanente que se instala, e muitas vezes é o foco de chuva forte e céus nublados. Podemos estar vendo esse tipo de condições nubladas ao sul do Japão, por trás de uma frente que surgiu, mantendo-a offshore, à distância.

Equivalent – Alfred Stieglitz (1931). Veja em: National Gallery of Art

Kennicott – A partir de 1922, Alfred Stieglitz (1864-1946) começou a treinar sua câmera no céu, fotografando nuvens de forma a desorientar e destilar a imagem de pontos de referência reconhecíveis. Ele disse que buscou um novo tipo de abstração puramente fotográfica “para mostrar que minhas fotografias não eram devidas ao assunto – nem a árvores especiais, ou rostos, ou interiores, a privilégios especiais, as nuvens estavam lá para todos”. O fotógrafo fez muitas dessas fotos, que chamou de Equivalentes, em Lake George, N.Y., onde passei muitos anos quando criança. Eu os reconheço como formas distintamente familiares e nunca fui capaz de compartilhar sua paixão por fazer imagens totalmente desconectadas de coisas reconhecíveis. Teimosamente, li seus Equivalentes como nuvens, não simplesmente padrões de luz capturados no papel.

Cappucci – Estes são claramente cirrus de altitudes muito elevadas, ou nuvens de gelo, definitivamente não líquidas. Você pode ver os detalhes da nuvem, especialmente aquela borda nítida, que indica que os níveis de umidade estão muito baixos. Para mim, quase parece que estou olhando alguém nos olhos. Sinto como se estivesse olhando para a Mãe Natureza, no sentido de que você tem o sol, mas meio velado, então lembra a pupila, mas há algo de misterioso nisso, dado aquele véu branco ao redor. Ele se arqueia perfeitamente no canto superior esquerdo e no canto superior direito; é nítido como a borda de uma pálpebra, e você tem aquela segunda coisa ondulada à direita que me lembra uma pálpebra. Há uma presença nesta imagem. É mais do que apenas uma nuvem.

Sky Above Clouds IV – Georgia O’Keeffe (1965). Veja em: Art Institute Chicago

Kennicott – Georgia O’Keeffe (1887-1986) era casada com Alfred Stieglitz e ela também estava tentando abstrair uma imagem de nuvens. Mas ela obviamente fez isso de uma maneira muito diferente. Esta é uma das várias pinturas que ela fez depois de ver nuvens de um avião. Nesse caso, a ordem cuidadosa das nuvens por O’Keeffe parece fazer o oposto do que Stieglitz buscava: ela está tentando nos orientar em relação a elas, não nos desorientar. E essa relação parece nutrir, como se as nuvens formassem uma pele protetora, cheia de células ordenadas, em torno da Terra. Esta pintura inspira alegria como o lindo céu azul de Hokusai, uma sensação quase tátil da atmosfera como algo que nos sustenta e nos protege.

Cappucci – Estas são ruas de nuvem, o que realmente existe. Acontece quando há uma diferença de temperatura grande o suficiente entre a água abaixo, que é comparativamente mais quente, e o ar frio acima, portanto, uma mudança de temperatura com a altura. Isso causa bolsões de ar ascendente bem perto da superfície. Pense naqueles dias realmente frios em que o vapor sai do leito dos lagos e do oceano. Este é um fenômeno um tanto semelhante, mas em uma escala maior. Você tem a diferença de temperatura certa entre o oceano e o ar acima; o ar está muito mais frio e, à medida que sopra, causa a formação de nuvens. Eles são frequentemente associados à ocorrência de neve leve a moderada por um curto período de tempo (snow shower), mas é o mesmo tipo de mecanismo que causa grandes totais de neve por efeito de lagos. Essas nuvens tem de 20.000 a 25.000 pés de profundidade.

The Shipwreck - Claude-Joseph Vernet (1772). Fonte: National Gallery of Art
The Shipwreck – Claude-Joseph Vernet (1772). Fonte: National Gallery of Art

Kennicott – Esta é uma das duas pinturas do artista francês Claude-Joseph Vernet (1714-1789), mostrando cenas altamente contrastantes do poder e da beleza da natureza. Em “O Naufrágio”, vemos o poder do sublime – energia e poder avassaladores que ameaçam derrotar a resistência ou compreensão do homem. Em termos filosóficos, o importante aqui não é o naufrágio, e sim a sobrevivência, escalar até a praia e seguir em frente. Há uma história, talvez apócrifa, de que Vernet se amarrou à proa de um barco durante uma viagem da Itália à França para observar melhor uma violenta tempestade. O artista registra as emoções humanas inspiradas pelo clima, mas nunca concordei com a representação de um raio à distância, que parece o “zap” geométrico de um raio de desenho animado lançado por um deus, em vez de uma descarga elétrica preparada pela natureza.

Cappucci – Quase parece que o raio está apontando para as pessoas no navio. Também é difícil dizer se a luz na parte de trás é a luz do sol ou a iluminância do relâmpago. Você vê o litoral, uma paisagem urbana distante e formações rochosas iluminadas ao fundo; quase parece que esses são raios crepusculares entrando. É claramente um raio que o artista está tentando retratar, mas o raio não é realmente dessa cor. Ele o interpretou mais como um pôr do sol e, se você encobrir o relâmpago, parece um pôr do sol bastante normal. É uma combinação estranha de pressentimento e paz. [nota do tradutor: tenho a impressão que esse raio foi feito depois da pintura já pronta, para adicionar dramaticidade, mas realmente está muito caricato]

Salisbury Cathedral From Lower Marsh Close - John Constable (1820). Fonte: National Gallery of Art
Salisbury Cathedral From Lower Marsh Close – John Constable (1820). Fonte: National Gallery of Art

Kennicott – O grande romance modernista de Robert Musil, “The Man Without Qualities”, começa com uma descrição longa e quase científica do tempo: “Uma baixa barométrica pairava sobre o Atlântico … uma área de alta pressão sobre a Rússia … O vapor de água no ar estava no seu máximo estado de tensão.” E então o autor austríaco oferece este resumo do que provavelmente era um jargão para muitos leitores: “Foi um belo dia em agosto de 1913.” Esta pintura de John Constable (1776-1837), um dos maiores pintores do tempo de todos os tempos, me lembra um pouco do humor do parágrafo inicial de Musil. Em algum ponto, não importa o quanto sabemos sobre as causas e a ciência do clima, tudo se resume a saber se é um bom dia. Constable não pintou a Catedral de Salisbury tão obsessivamente quanto Hokusai pintou o Monte Fuji, mas ele a retratou em várias obras importantes, sob condições atmosféricas surpreendentemente diferentes. Uma das descrições mais tempestuosas às vezes é vista como seu comentário sobre o estado conturbado dos assuntos religiosos na Inglaterra no início do século XIX. Nesta imagem, a igreja não é o foco. Na verdade, como qualquer pessoa que já tentou fotografar um objeto monumental sabe, encaixar toda a catedral na moldura significa recuar tanto que o céu assuma o controle. Ao contrário do tempo como um fenômeno social em Avercamp, ou uma experiência psicológica em Vernet, aqui se trata simplesmente do tempo e da experiência óptica dele.

Cappucci – O céu não está escuro e as nuvens não são excessivamente altas, o que me faz pensar que não há muita convecção, nem muita energia na atmosfera. Vendo como as nuvens estão espalhadas e fofas, eu pensaria em uma das duas coisas: provavelmente havia alguma névoa matinal perto da superfície que já se dissipou, então você tem essas nuvens grandes e fofas que não têm faces planas. Mas é difícil dizer se é de manhã ou de tarde. A grama não parece molhada ou brilhante, então pode ter demorado várias horas para que a umidade seque. Ou, este pode ser um céu pós-tempestade. Veja como fica um pouco mais claro sobre o campanário e um pouco mais escuro com as nuvens mais altas – pode ser uma nuvem distante ou uma daquelas nuvens do tipo couve-flor que está refletindo a luz da tarde. Mas eu arriscaria dizer que é provavelmente o primeiro, com a névoa da manhã se dissipando. Não importa qual dos dois cenários, eu simplesmente não consigo superar o quão pacífica a luz parece. Eu não vi uma pintura que me faça sentir como se estivesse lá tanto quanto esta.

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